lunes, 8 de febrero de 2010

Magnolia

Paul Thomas Anderson
(EUA, 1999, 188 min.)

Actores principales: Jason Robards, Tom Cruise, Julianne Moore, Jeremy Blackman, Philip Baker Hall, Phillip Seymour Hoffmann.

Magnolia es un mosaico de la vida americana enlazado a través de una serie de historias que transcurren en paralelo. Por medio de inimaginables coincidencias, la suerte y en ocasiones la propia intervención divina, nueve personas entrarán de forma irremisible en la vida de los otros y entrelazarán sus destinos creando un clímax inolvidable. Algunos pedirán perdón, otros escaparán. Unos arreglarán las peleas comprometidas, otros se pondrán en peligro. La gran interpretación de Tom Cruise en ésta película le valió su candidatura a los Oscars.

Paul Thomas Anderson

Aunque no sea sobradamente conocido, representa una de las mayores esperanzas del cine norteamericano actual.

A sus 37 años, el cineasta ha demostrado con creces su enorme talento, llegando al status de joven genio a la manera de Steven Spielberg (que lanzó Tiburón con 28 años) o George Lucas (American Graffiti, con 27). Tras realizar un par de cortos, su primer largometraje, Sydney, salió a la luz en 1996, el cual trataba sobre un gángster en los 60 llamado Sydney, y una encrucijada que se presentaba ante él.

Más tarde vino Magnolia, un muy buen ejemplo de cine norteamericano. Una suerte de historia coral en la que el azar influye de forma determinante en las vidas de la joven mujer de un productor de televisión moribundo y arrepentido, un ex-niño prodigio resentido y frustrado, un inseguro instructor de seducción, un policía idealista y solitario, y una drogadicta que sufrió abuso sexual.

Otras obras suyas son Embriagado de amor (Punch Drunk Love, EUA, 2002) y Petróleo sangriento (There Will Be Blood, EUA, 2007).

http://www.estoescine.com/sinopsis198.htm

http://www.cineismo.com/criticas/magnolia.htm

http://www.labutaca.net/films/colabora/magnolia.htm

http://www.cartelera10.com/directores/paul-thomas-anderson-pasado-presente-y-futuro.html

Publicado por: Vaquero

martes, 24 de noviembre de 2009

El inquilino

El inquilino
(Roman Polanski, 1976, Francia, 126 min.)

La película, basada en la novela "El quimérico inquilino", del joven talentoso Roland Topor, se concibió, realizó y estrenó en el tiempo récord de ocho meses debido a la presión de los productores para que se estrenara en el festival de Cannes. En su estreno, el filme fue un fracaso ante la crítica así como en la taquilla. Sin embargo, el tiempo ha dado la razón a su autor, y se ha convertido en una película de culto que para muchos de sus admiradores es su mejor trabajo.

Esta película se considera la última parte de su llamada "trilogía de los apartamentos", antecedida por Repulsión (1965) en la que dirige a Catherine Deneuve y que trata sobre la locura asesina de una joven sexualmente reprimida, y El bebé de Rosemary (1968), con Mia Farrow, en la que una joven recién casada se instala con su marido en un departamento y, al quedar misteriosamente embarazada, comienza un tortuoso proceso paranoico, temerosa de la seguridad y la naturaleza de su bebé.

El inquilino, thriller psicológico de horror, pinta con gran maestría la subjetividad esquizofrénica de su protagonista, encarnado por el propio Polanski. El polémico genio de la cinematografía se las arregla con el uso de la cámara, las actuaciones y el brillante guión (escrito por Gérard Brach y Roman Polanski) para que resalte no sólo la paranoia de Trelkovsky, sino lo espantosa que puede resultar la vida en París para un inmigrante con recursos limitados. Es así una historia sobre la recargada xenofobia de los parisinos y sobre el lado oscuro de la ciudad. Pero también es un cuento muy personal sobre la persecusión que ha vivido desde niño el autor; en ese sentido, es el relato de un sobreviviente.

"Si soy un ecléctico es porque me gusta el cine. Yo voy mucho al cine y a veces me gusta de alguna manera reproducir el placer que experimento ante unas imágenes. Mi deseo de hacer cine viene de ahí y de ningún otro sitio. En primer lugar hay que haber visto y amado algunas películas para sentir el deseo de hacer cine".

Roman Polanski

De padres polacos, nació en 1933 en Francia bajo el nombre de Rajmund Roman Liebling. Dos años después de comenzada la II Guerra Mundial, sus padres decidieron regresar a Cracovia pensando que estarían más seguros allá. Su infancia tras los alambres de púas del ghetto y la deportación de sus padres a Auschwitz, de donde su madre no regresó, lo marcaron para siempre. Se encontró solo a los ocho años y sobrevivió en los bosques junto con otros niños, colándose de vez en cuando a los cines montados por los alemanes. Luego fue recogido por campesinos y estuvo a punto de morir al caer un obús.

A partir de los años 50 estudió actuación y cinematografía en la escuela de Lodz, demostrando en sus primeras producciones un gusto por el humor negro y los temas siniestros. Su primer largometraje, Cuchillo en el agua (1962), atrajo la atención de la crítica internacional mientras ya muestra su gusto por los espacios claustrofóbicos, y le permitió trasladarse a Inglaterra, donde realizó sus primeras obras reconocidas, Repulsión y Cul de sac (1966), que obtuvieron respectivamente el Oso de Plata y el de Oro en el festival de Berlín. En Hollywood produjo sólo dos filmes, el célebre Rosemary's Baby, y después Chinatown (1974). En 1969 la banda del asesino serial Charles Manson asesinó salvajemente a su mujer, Sharon Tate, mientras él estaba preparando un filme en Londres. Algunos años después de esta tragedia, Polanski abandonó los Estados Unidos perseguido por una causa legal en la que habría tenido relaciones con una menor de edad. Regresó a Europa donde ha realizado el resto de su obra, debido también a que se encuentra perseguido desde 1978 por la justicia norteamericana.

Desde muy joven, Polanski apareció en el cine en la película de Andrezej Wajda Pokolenie (1955), alternando desde entonces su carrera de actor, con la de productor y director, originando algunos de los filmes más importantes de la historia del cine, sin haber ganado el Óscar hasta el 2002 con El pianista, convirtiéndose así en uno de los más viejos directores en ganar este premio a sus casi 70 años, hecho que confirma el conservadurismo político y moral de la Academia.

Filmografía como director

Cuchillo en el agua (1962)
Repulsión (1965)
Cul de sac (1966)
La danza de los vampiros (1967)
El bebé de Rosemary (1968)
Macbeth (1971)
¿Qué? (1973)
Chinatown (1974)
El inquilino (1976)
Tess (1979)
Piratas (1986)
Frantic (1988)
Luna amarga (1992)
La muerte y la doncella (1994)
La novena puerta (1999)
El pianista (2002)
Oliver Twist (2005)
The ghost (2010) (en postproducción)

Fuentes:

martes, 3 de noviembre de 2009

Fargo


Fargo
(Joel & Ethan Coen, EUA, 1996, 98 min.)

Aunque la historia está basada en hechos reales, la construcción de los personajes es obra de sus autores, y esto es quizás lo más destacable de esta película. Cada uno tiene características que lo hacen único, anómalo. Esta sutil diferencia, al alejarlo del cliché, hace que un personaje se vuelva universal. Estos personajes anómalos terminan representando una gama más rica de símbolos que un simple estereotipo.

Margie Gunderson (Frances McDormand) es una sencilla agente de policía, pero con siete meses de embarazo, y su valeroso enfrentamiento con la sordidez de los crímenes que investiga impide que su tranquila rutina de vida resulte boba, pues representa la justicia y el sentido común, y es ella quien va a continuar la vida, a diferencia de los asesinos, que la destruyen.

Jerry Lundegaard (William H. Macy), un hombre cobarde y frustrado, constantemente humillado por su suegro, pasa de ser una víctima de sus circunstancias al autor intelectual de un crimen de horripilante crueldad.

Carl Showalter (Steve Buscemi) representa a un ladrón carente de escrúpulos que se ve arrastrado por su compañero en una serie de asesinatos y complicaciones que lo llevan a la muerte. Y Gaear Grimsrud (Peter Stormare) es un magnífico retrato del psicópata, un ser absolutamente simple y peligroso, carente de cualquier sensibilidad, que no encuentra valor alguno en la vida humana.

La escena de Mike Yanagita, que a primera vista parece gratuita, resulta una metáfora del desequilibrio mental y emocional de la sociedad norteamericana en general, un hombre solo y desesperado, una bomba de tiempo, un producto de la deshumanización de la sociedad moderna.

Fargo ganó siete premios Óscar en 1996, incluyendo mejor guión para los hermanos Coen, y mejor actriz para Frances McDormand. La película también ganó el premio británico BAFTA, y la Palma de Oro en el Festival de Cannes por la dirección.

Toda obra es autobiográfica hasta cierto punto, y aunque esta historia está basada en casos verídicos, los asesinatos no ocurrieron en Minnesota; sin embargo, los hermanos Coen escogieron esta locación por el simple hecho de que ellos se criaron en St. Louis Park, un suburbio de Minneapolis.

Filmografía

1984, Blood Simple
1987, Raising Arizona
1990, Miller's Crossing
1991, Barton Fink
1994, The Hudsucker Proxy
1996, Fargo
1998, The Big Lebowski
2000, O Brother, Where Art Thou?
2001, The Man Who Wasn't There
2003, Intolerable Cruelty
2004, The Ladykillers
2007, No Country for Old Men
2008, Burn After Reading
2009, A Serious Man

En los enlaces siguientes pueden encontrar mucha más información interesante sobre esta película y sus autores:


jueves, 15 de octubre de 2009

VII Festival Internacional de Cine de Morelia


El Festival Internacional de Cine de Morelia es una experiencia que a mi parecer vale mucho la pena.


Durante un fin de semana vi películas que muy probablemente no hubiera visto nunca. Desde animación para adultos francesa (Lascars, de Albert Pereira-Lazaro y Emmanuel Klotz, Francia, 2009, 96 min), hasta la última evidencia cinematográfica del talento de Heath Ledger (The Imaginarium of Dr. Parnassus, de Terry Gilliam, UK-Canadá, 2009, 122 min).


Este festival reúne a los mejores reactivos y a los mejores productos del cine mundial.

Creo que es importante destacar dos aspectos fundamentales:

1. Las películas no son para ver e irse. El cine es un arte, y como tal es necesario comentar y escuchar para sacarle el mayor provecho y poder formar un punto de vista crítico. El Séptimo Festival Internacional de Cine de Morelia contó con sesiones de preguntas y respuestas con los realizadores de los filmes (al igual que sus seis ediciones anteriores) que hicieron posible que nosotros, dichosos espectadores, ampliáramos nuestro bagaje cinéfilo y retomáramos las películas desde los ojos de sus realizadores.

2. El ambiente que se vive permite el buen desarrollo del festival. Pareciera que el problema serio de narcotráfico no existe en Morelia. La ausencia de grandes figuras mediáticas mexicanas evitan la comercialización excesiva de la fiesta. Esto demuestra que ha ganado prestigio gracias a la calidad de sus películas, a la seriedad de sus cineastas y a la impecable organización que conlleva.

Combinado con estos dos factores, creo que existe un último elemento, en el cual radica la mayor parte del éxito del mismo: la calidad humana de quienes lo hacen posible. Nosotros fuimos capaces de estar en un lugar privilegiado, dentro del pleno núcleo del festival. El trabajo y la dedicación que se requiere es considerable; no obstante, los organizadores lo resuelven con dedicación, talento y un enorme amor al séptimo arte. Sortean los conflictos a capote y muletilla, con un auténtica actitud torera.

El reconocimiento a nivel mundial que poco a poco ha ido ganando el Festival Internacional de Cine de Morelia es un auténtico tributo a quienes lo organizan. Con decir que hasta Tarantino decidió salir de su bunker y aventurarse en zona purépecha con tal de disfrutar de esta gran fiesta.

Salí de tierras michoacanas enormemente agradecido, impresionado, contento y maravillado. Ya me veo el siguiente año camino a Morelia.

Publicado por: Don Yorchire

martes, 13 de octubre de 2009

Grizzly Man


Grizzly Man
El hombre oso
(Werner Herzog, 2005, EUA, color, documental, 103 min.)

Un personaje polémico: despreciado por muchos, amado por pocos, Tim Treadwell fue un alma solitaria, hipersensible y salvaje, un desadaptado, un testimonio vivo de la sociedad de la que huía. Pero su ojo captó infinitas imágenes de una belleza exquisita, inexplicable, única, una belleza que "ningún director con su crew de sindicato podría soñar". Como cineasta, fue esto lo que a Herzog le llamó la atención, y editó este documental a partir de más de cien horas de video captado por Tim en sus largos viajes a la reserva de los osos grizzly, el parque Katmai en Canadá.

Herzog cuenta con una gran experiencia como documentalista; su plato fuerte consiste en la complejidad humana y la lucha del hombre contra la naturaleza. Construye a este personaje no sólo con estos videos (metáfora de su alma), sino a través de entrevistas clave que lo describen desde diversos puntos de vista, incluido el suyo, y logra de paso dar una lección sobre cinematografía a través de sus narraciones.

Todo el misterio que rodea a este personaje, su origen y su destino, dejan al espectador tal vez extasiado, tal vez asqueado, seguramente asombrado, y quizás las tres cosas al mismo tiempo.

Filmografía de W. Herzog

Largometrajes

  • Signos de vida (1968)
  • También los enanos empezaron pequeños (1970)
  • Fata Morgana (1971)
  • Aguirre, la ira de dios (1973)
  • El enigma de Gaspar Hauser (1974)
  • Corazón de Cristal (1976)
  • Stroszek (1977)
  • Nosferatu, fantasma de la noche (1979)
  • Woyzeck (1979)
  • Fitzcarraldo (1982)
  • Donde sueñan las verdes hormigas (1984)
  • Cobra Verde (1988)
  • Grito de piedra (1991)
  • Invencible (2001)
  • White Diamond (2005)
  • Grizzly Man (2005)
  • The wild blue yonder (2005)
  • Rescue dawn (2007)

Cortometrajes

  • Herakles (1962)
  • Game in the Sand (1964)
  • The Unprecedented Defence of the Fortress Deutshkreuz (1967)
  • Last Words (1967)

Documentales y trabajos para la televisión

  • Die fliegenden Ärzte von Ostafrika (1968)
  • Lands des Dchweigens und der Dunkelheit (1971)
  • Behinderte Zukunft (1971)
  • How Much Wood Would a Woodchuck Chuck (1976)
  • La soufrière (1977)
  • Was ich bin sind meine Filme (1978)
  • God’s Angry Man (1980)
  • Huies Predigt (1980)
  • Ballade vom kleinen Soldaten (1984)
  • Gasherbrum – Der Leuchtende Berg (1984)
  • Wodaabe – Herdsmen of the Sun (1989)
  • Echos aus einem düsteren Reich (1990)
  • Jag Mandir: The Eccentric Private Theater of the Maharaja of Udaipur (1991)
  • Filmstunde (1992)
  • Lektionen in Finsternis (1992)
  • Glocken aus der Tiefe (1993)
  • The Transformation of the World into Music (1994)
  • Death for Five Voices (1995)
  • Little Dieter Needs to Fly (1997)
  • Wings of Hope (1998)
  • Mein Liebster Feind (Mi enemigo íntimo) (1999)
  • Grizzly Man (2005)
  • Encounters at the end of the world (2006)


viernes, 2 de octubre de 2009

En el hoyo


En el hoyo
(México, 2006, documental, color, 84 min.)

Ganador al premio por mejor documental en el Festival de Sundance, así como varios premios más, En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo, se adentra en las vidas de un grupo de obreros durante la construcción del polémico segundo piso del periférico en el Distrito Federal.

Pero, más que abundar en alguna tesis política, este documental lleno de sentido del humor muestra las realidades de distintos individuos, de personas que, a cambio de un sueldo miserable y la certeza de que no podrán jamás acceder a una vida distinta ni al reconocimiento por su labor, hacen funcionar la maquinaria de un monstruo desde el último eslabón de la sociedad: el obrero. Cada uno de ellos personifica un aspecto distinto del pueblo mexicano, desde el macho alburero, borracho, violento y misógino, la oscuridad de una muchacha triste, enterrada debajo de una extraña y mortecina fe, hasta la humildad y sentido de la justicia de otro obrero y la dignidad majestuosa de quien vive para su rancho luciendo una cabellera que recuerda la crin de un caballo salvaje. Todos estos personajes, y los demás, retratan ese estrato de la sociedad que ha construido con sus manos toda esta gran placa de concreto sobre la cual vivimos: la ciudad de México.

Quizás esta obra en sí misma busca solamente hacer un homenaje a la labor de los obreros mexicanos.

Premios

Mejor Película Iberoamericana (Asociación de Críticos Cinematográficos de Argentina)
Mejor Edición (Ariel)
Mejor Largometraje Documental (Ariel)
Mejor Sonido (Ariel)
Mejor Música Compuesta para Cine (Ariel)
Mejor Película (Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires)
Mejor Documental (Festival de Cine de Guadalajara)
Mejor Largometraje Documental (Festival Internacional de Cine Karlovy Vary)
Mejor Documental (Festival de Cine Latinoamericano de Lima)
Mejor Documental (Sundance Film Festival, Gran Jury Prize)

Juan Carlos Rulfo

Nacido en el Distrito Federal en 1964, su nombre completo es Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Aparicio. Hijo del gran escritor jalisciense Juan Rulfo, Juan Carlos Rulfo se ha dedicado al cine como un explorador que utiliza la cámara y el micrófono para indagar en los laberintos de la memoria colectiva de un pueblo.

Juan Carlos Rulfo terminó la carrera de Ciencias de la Comunicación en la UNAM en 1987, mientras era asistente de relaciones públicas de la Dirección Comercial de los Estudios Churubusco-Azteca. En 1988 ingresó al Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), en donde estudió la carrera de dirección cinematográfica, además de especializarse en guionismo.

Su tesis en el CCC fue el cortometraje El abuelo Cheno y otras historias (1995), documental en el que explora la vida y muerte de su abuelo paterno. Célebre por sus poéticas imágenes y su entrañable reconstrucción de los recuerdos casi olvidados de un grupo de ancianos de un pueblo jalisciense, la cinta obtuvo el Ariel al mejor corto documental y recibió el premio a la ópera prima del Festival del Cine Latinoamericano de Biarritz, Francia.

Su debut en el largometraje, Del olvido al no me acuerdo (1999), lo reafirmó como el mejor exponente mexicano de los últimos años en el género documental. Compitiendo con cintas de ficción, el documental de Rulfo recibió cuatro Arieles en las categorías de ópera prima, mejor fotografía, mejor edición y mejor sonido.

A su labor como director cabe añadir la de promotor de nuevos valores en el campo de la cinematografía. Diminutos del calvario (2000), proyecto de mini-cortometrajes dirigidos por estudiantes, trascendió las fronteras mexicanas y ha tenido continuación en España.

Filmografía

  1. Los que se quedan (2008) ... codirector y camarógrafo (largometraje documental)
  2. En el hoyo (2006) ... guionista y director (largometraje documental)
  3. El crucero (2006) ... guionista y director (cortometraje documental)
  4. Diminutos del calvario (2000) .... codirector
  5. Del olvido al no me acuerdo (1999) .... director, guionista y editor (largometraje documental)
  6. El abuelo Cheno y otras historias (1995) .... director, guionista, editor, diseñador de títulos y narrador (cortometraje documental) (coproducción con Cuba)
  7. Hierba seca (1992) .... director (cortometraje)
  8. Tequila (1992) .... asistente de cámara (segunda unidad)
  9. La mujer de Benjamín (1991).... director del video "making of"
  10. Retorno a Aztlán (1991) .... asistente de cámara (segunda unidad)
  11. Sólo con tu pareja (1991) .... asistente de cámara (segunda unidad)
Fuentes: